Repertorio de Canciones

El abeto (OTannenbaum) es un villancico de origen alemán, extendido universalmente. En español recibe tres nombres: El abeto, Qué verdes son y Árbol de Navidad. Su origen se remonta al siglo XVI y ha tenido, posteriormente, numerosas versiones y arreglos. Una de las más extendidas es la de Melcior Frank (1573-1639).

José Manuel López Blanco fue director de la Coral Cristóbal de Morales durante el período 1990-1998.

Es una composición tipo pavana. La Pavana es una danza característica de Europa, en el siglo XVI, comparable con la Gallarda. El origen del nombre no está claro. Se cree que procede de "pandovano" (de la ciudad de Padua). Por extensión, Pavana se aplica, también, a la música que acompañaba a la danza. Generalmente se usaba el contrapunto y acompañamiento homofónico. El ritmo era, a menudo, marcado con un tamboril.

El abulense Victoria conoció a Palestrina durante su estancia con los jesuitas en Roma, quien influiría en sus primeras obras. Ingresó en la Congregación del Oratorio, fundada por san Felipe Neri, cuando ya era sacerdote. En España, fue nombrado maestro de capilla y organista, entre otros cargos y, posteriormente, capellán del monasterio de las Descalzas Reales. Es el compositor más grande del Renacimiento español junto con Cristóbal de Morales. Su estilo es tan innovador, con una gran progresión cromática, quizá debido a los madrigalistas, que anuncia el inminente Barroco. Como compositor, su obra es inmensa, formada por composiciones religiosas exclusivamente en latín (motetes, antífonas, himnos, salmos, misas, etc.), que oscilan entre las 2 y 8 voces. Incluso tiene una pieza, Laetatus sum, para 12 voces.

Este Ave Maria es una de las composiciones sacras más cantadas por la mayoría de los coros. La revisión y anotaciones de la partitura presente están realizadas por G. Roussel.

El Cancionero de Palacio que se conserva en la Real Biblioteca de Madrid,  también conocido como Cancionero de Barbieri, contiene obras recopiladas durante un periodo de unos cuarenta años, desde el último tercio del siglo XV hasta principios del XVI, tiempo que coincide aproximadamente con el reinado de los Reyes Católicos. El manuscrito recopila 458 piezas, la mayor parte de ellas en castellano, aunque también contiene unas pocas en latín, francés, catalán, euskera y portugués. Constituye una antología de la música polifónica existente durante el reinado de los Reyes Católicos. No hay que olvidar que, durante esta etapa, la corte era el centro de la actividad musical y en torno a ella se agrupaba un gran número de músicos y compositores, la mayor parte españoles. El cancionero recoge desde composiciones sencillas de carácter popular hasta obras bastante elaboradas. La forma musical más importante es el villancico. La mayoría de las obras son para canto a una voz con acompañamiento instrumental, o bien obras polifónicas a dos, tres y cuatro voces.

La obra pertenece al Cancionero de Palacio, y ocupa, según la ordenación que realizó el maestro Barbieri, el folio 175 del cancionero. Algunos investigadores atribuyen probablemente la obra a Juan del Encina.

El Cancionero de Palacio es una recopilación de obras que cubre el último tercio del siglo XV y principios del XVI. Se empezó a confeccionar por primera vez, posiblemente, con motivo de la reorganización de la capilla musical de la corte, un año después de la muerte de la reina Isabel la Católica. Actualmente se conservan 469 canciones. En 1870, el manuscrito fue redescubierto en la Real Biblioteca de Madrid por el historiador Gregorio Cruzada Villaamil y el compositor y musicólogo Francisco Asenjo Barbieri, que lo transcribió y publicó en 1890 con el nombre de Cancionero musical de los siglos XV y XVI.

Hablar del madrigal italiano es hablar de Claudio Monteverdi, probablemente el mayor compositor de madrigales de todos los tiempos. Comenzó desde su juventud cuando en 1587 publicó su Primer Libro de Madrigales y terminó con su libro noveno, que de hecho fue publicado póstumamente, en 1651. A lo largo de estos libros es posible apreciar la evolución de la música de Monteverdi, desde el estilo polifónico de la música del renacimiento hasta la utilización de la monodia acompañada característica del barroco.

Con Monteverdi el madrigal evolucionó transformándose en un medio de expresión intenso y apasionado donde la música consigue expresar todo el contenido dramático del texto. Un recurso que utiliza Monteverdi, sobre todo en sus últimas obras, es el denominado stilo concitato (agitado), que consiste en el uso de figuraciones musicales violentas, notas repetidas rápidamente, vigorosos trémolos, rápidas escalas y arpegios, todos ellos utilizados para expresar emociones violentas como la ira, o describir situaciones como el galope desenfrenado de caballos, el golpe de las espadas y el fragor de la batalla.

El Tercer Libro de Madrigales a cinco voces, en donde se enmarca Ch'io non t'ami, core mio,  fue compuesto en 1592 durante su estancia en la corte de Mantua y pertenece estilísticamente al primer período creativo de Monteverdi con madrigales de carácter cortés sin acompañamiento instrumental aunque ya presente rasgos como el declamado y ligeras disonancias. El texto está basado en un poema de Gian Battista Guarini.

Es a partir del quinto libro cuando se produce el punto de inflexión hacia la seconda prattica, donde la música se subordina a la expresión emocional del texto poético, en consonancia con la naciente ópera, evolucionando el madrigal hacia formas dramáticas y de estilo representativo, con combinaciones más variadas de las voces y partes solistas, y con el acompañamiento instrumental del bajo continuo.

Entre los archivos mp3 se incluyen dos interpretaciones grabadas por coros profesionales para hacerse idea de su dinámica.

Felice Anerio fue un compositor romano de finales del Renacimiento y principios del Barroco. En 1594, sustituyó a Palestrina como compositor oficial del coro papal. Las composiciones de Anerio son numerosas, entre las que destacan, fundamentalmente, madrigales y canzonettas, influido por Luca Marenzo. Se caracteriza por la originalidad y fino sentimiento artístico.

Christus factus est forma parte del Gradual de la Misa In coena Domini de Jueves Santo.

Gradual: Se canta (o se reza) después de la Epítola y antes del Aleluya.

Compositor alemán que se enmarca en una etapa de transición entre el Renacimiento y el Barroco y de conciliación entre la música sacra católica y la luterana. Compuso numerosas obras, especialmente motetes (600). Renunció a la artificiosidad, simplificando el contrapunto para mantener la inteligibilidad del texto.

Da pacem Domine es un canon muy conocido por todos los coros. Obra de gran sencillez, necesita, sin embargo, de una buena afinación y de una gran limpieza de timbre.

Giovanni Gabrieli, compositor y organista veneciano, fue uno de los más influyentes músicos de su época que supuso la culminación de la escuela veneciana, enmarcándose en la transición de la música renacentista a la música barroca. Estudió con su tío, el también compositor Andrea Gabrieli. Siguiendo su ejemplo, durante varios años trabajó en Múnich, en la corte del duque Alberto V de Baviera, donde habría estudiado con Orlando di Lasso. Se encargó de recopilar y editar la obra de su tío. Por su parte compuso diversas obras siguiendo el estilo de su tío pero acentuando aún más los contrastes, con un mayor dramatismo y color. Al igual que otros compositores de la escuela veneciana, su estilo se vio notablemente influenciado por las particulares características de la iglesia de San Marcos, con sus galerías separadas, por lo que los órganos y los coros se ubicaban en lados opuestos, además de la excelente acústica del lugar. Hacia 1597 publica su propia colección Sacrae symphoniae que le otorga rápida fama a nivel internacional.

Antes, ya desde mediados del siglo XV, la polifonía se hacía sobre todo en las cortes, las iglesias y los círculos intelectuales. El vulgo escuchaba la música polifónica en las iglesias durante las misas y celebraciones religiosas pero era algo demasiado elaborado, complejo y ajeno a sus oídos y costumbres. El pueblo italiano, incapaz de prescindir de la música, comenzó a hacerla pues a su manera, por el mero placer de cantar y bailar. Así nació la frottola, música de encrucijada y taberna, la mayor parte de las veces imporvisada y no escrita, o los strambotti, variante elegíaca de la frottola, menos alegres y más pausados. Frottole y strambotti podían cantarse a capella pero lo más frecuente era ejecutarlos en un solo acompañado por el laúd.

A partir de 1530 la frottola desaparecería para dejar paso definitivamente al madrigal. El madrigal ya se conocía desde el siglo XIV, entre los géneros favoritos de la ars nova italiana, como un pequeño poema en estrofas de dos o tres versos con una melodía única cuya continuidad es cortada por un estribillo. Pero el madrigal del Renacimiento, el que toma el relevo a la frottola, no se parece ya a aquel, salvo en que comparte el mismo nombre. Ahora se trata de una composición libre, como el poema sobre el que está escrita, sin estribillos, en una rica polifonía a tres, cuatro o cinco voces, que se inspira en el motete pero con menor rigor y mayor libertad. El único principio al que obedece el madrigal es adaptarse lo más estrechamente posible a la letra del poema y a los sentimientos que expresa. Para expresar de un modo más sentido los estados anímicos se hace frecuente uso de las disonancias y de las alteraciones (fa sostenido, sol sotenido, mi bemol, si bemol) todavía prohibidos prácticamente en la música pía sagrada. Así, a partir de mediados del siglo XVI los madrigalistas se instalan deliberadamente en el cromatismo musical.

Juan Vásquez (o Vázquez) fue un sacerdote y compositor extremeño del Renacimiento español. Estuvo unido al grupo andaluz de musicos renacentistas (Guerrero, Morales, etc.). Sus obras más conocidas son las composiciones profanas, de las que destacan los villancicos, las canciones y los madrigales.

De los álamos, vengo, madre está basada en una melodía popular renacentista, acompañada de vihuela. La composición se desarrolloa con un contrapunto de gran agilidad, que alude constantemente al tema principal. Es un villancico.

Villancico: Es una canción profana, de origen popular. Era cantado por los 'villanos', habitantes de las villas, de ahí el nombre de villancico. Se compone de un estribillo y unas coplas o mudanza. Se cantaba en las fiestas de los pueblos o villas. Fue muy popular en España entre los siglos XV y XVIII. Posteriormente, empezó a cantarse en los templos y se fue asociando a la Navidad, por lo que fueron prohibidos los villancicos con letras profanas y en su lugar se cantaron villancicos con letras religiosas sobre el Nacimiento de Jesús. De ahí proceden los villancicos actuales.

La letra en inglés de esta canción (Ding Dong Merrily on High) fue escrita por George Ratcliff Woodward (1848-1934), un pastor inglés perteneciente a la iglesia anglicana que compuso numerosos poemas e himnos para adaptar canciones principalmente renacentistas europeas. Junto con el compositor de origen irlandés Charles Wood (1866-1926) publicó tres libros de villancicos, la mayoría de ellos adaptados de melodías tradicionales renacentistas, originarias de diferentes países. Uno de esto libros, publicado en 1924,  que incluye esta canción Ding Dong merrily on high, se titula: A Cambridge Carol Book: Being Fifty-two Songs for Christmas, Easter and Other Seasons (Libro de villancicos de Cambridge, con 52 caciones para navidad, semana santa y otras estaciones).

En su origen, la melodía aparece por primera vez escrita con el título "Branle de l'official" en un libro de danzas escrito por Jehan Tabourot (1519-1593) Branle es una danza típica francesa, que se baila por parejas alternativamente moviéndose de lado a lado en una línea, y formando círculos.

Para el que tenga interés en percibir esta canción como una danza renacentista francesa (como era originalmente) e incluso para inspirar, en su caso, alguna forma diferente de representarla en público, puede entrar en el siguiente enlace https://youtu.be/kowFdlh6WaM

La letra de la canción, en inglés, fue escrita expresamente por G. R. Woodward para adaptar esta melodia tradicional francesa del siglo XVI.

En la Coral Cristóbal de Morales hemos creado, para la versión en español, una adaptación propia, que NO es una traducción de la letra escrita por G. R. Woodward sino una interpretación diferente para poner letra a esta danza renacentista. En este sentido nos ha parecido que si se trataba de interpretar un baile con una letra en español, no era necesario traducir lo que Woodward habia escrito, tal como él se había inspirado, sino que nos hemos sentido libres para buscar una inspiración diferente de la que él tuvo a oir esta melodía.

El arreglo coral que se incluye en esta partitura es algo diferente a la armonización original de Charles Wood. En esta ocasión el arreglo corresponde a Sir David Willcocks, compositor bien conocido por nosotros ya que varios de los villancicos que cantamos han sido arreglados por él.

Sir David Willcocks, director de coro, organista y compositor británico, nació en 1919 y ha fallecido en fecha tan reciente como el pasado 17 de septiembre de 2015, prácticamente cuando estábamos terminando de redactar estas notas. Dirigió entre 1957 y 1974 el famoso Coro del King's College de Cambridge. Junto con John Rutter y Reginald Jacques publicó una serie de cuatro libros bajo el título Carols for Choirs (villancicos para coro) que ha sido fuente de los repertorios de buena parte de los coros de todo mundo. Precisamente el arreglo que aquí cantamos aparece en el segundo de estos cuatro libros.